Bandolín y guitarra
Hamilton de Holanda, músico y bandolinista. Nació en 1976, en Río de Janiero. La prensa francesa lo llama el "Príncipe del Bandolín", instrumento de 8 cuerdas que él llevó a 10.
Marco Pereira. Nació en San Pablo, Brasil, en 1956. Es compositor, arreglador, profesor y guitarrista. Recibió una fuerte influencia del jazz y también de la música latinoamericana, que caracteriza su trabajo como compositor.
Digo Caracas, digo música
Si digo Venezuela, digo Caracas y digo Caracas, de paso, por trabajo. ¿Conociste Venezuela? No. Sí. Algo. Poco. Lo que se tiene a mano cuando uno está de paso, y se va de la seca a la meca, casi nunca mezclada entre la gente del lugar.
Menos que una turista que ha comprado un paquete por agencia. Menos que un residente.
Me habían alertado del calor que haría. Tengo la presión baja e iba con la guardia alta. Sin embargo, no hubo problemas con el clima.
Es cierto, por las mañanas hacía bastante calor. Sin embargo se sentía apacible, el cielo claro hasta volver nítidos los contornos de la ciudad.
Tampoco la falta de sueño o esa extraña sensación que tiene uno al vivir unos días en un espacio distinto, en un tiempo al que no está acostumbrado, resultó un obstáculo para conectarme con ese pedacito de Caracas que me estaba predestinado.
El camino al hotel fue silencioso.
A derecha e izquierda
se veían los cerros, así los llaman cuando quienes los habitan son pobres. Las montañas verdes donde viven los ricos son colinas.
A las casas precarias en la Argentina se las ha bautizado como villas. Ellos tienen un modo quizás menos estigamatizante para nombrarlas: barrios. Lo que es para nosotros un barrio para los venezolanos es una urbanización.
Sigo con el primer día. Algunas pinceladas. Impresiones que deja este estar de paso.
Por la noche Thaís, que trabaja en un área de gobierno, me estuvo contando acerca de muchas cosas. Del horizonte político, entre otras. Ni falta hacía que habláramos del tema ya que como pronto hay elecciones parlamentarias en Venezuela, había un eco persistente de discursos antagónicos en la calle, en los medios de comunicación. Se sabe hoy en Youtube está todo. Para qué abundar.
Thaís habló también de los paisajes con que cuenta ese territorio de 900 mil kilómeros cuadrados que alterna selva y llano y playa. La joven venezolana conversó de la educación en los tiempos que ellos llaman de la primera revolución.
Y habló también sobre la importancia de la música en Venezuela. Hace más de treinta años, Antonio Abreu ideó el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles.
Un proyecto que sigue hoy vigente y tiene como objetivo darles una herramienta de inserción social a los niños y niñas venezolanas. Thaís participó en un tiempo del Sistema y tuvo su instrumento con el que practicaba cada día al volver de la escuela.
El Estado brinda a los chicos y jóvenes violines, trombones, saxos,tambores. Los ví llegar en grupos por las mañanas y las tardes al hotel donde me alojaba, cargando con sus instrumentos y ensayar durante horas. Se los veía felices. En ningún otro sitio tanto. Al término del entrenamiento, un micro pasaba a buscarlos.
La Fundación del Estado para el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela (FESNOJIV) considera a la música como obra social del Estado venezolano. "La estructura funcional, educativa, artística y administrativa que da forma al Sistema es el Núcleo. Allí se llevan a cabo todos los programas orquestales y corales de la FESNOJIV, lo que los convierte en centros de enseñanza que, en muchos casos, funcionan como centros de promoción de las actividades educativas, artísticas y culturales de las comunidades", explica el sitio oficial de la FESNOJIV.Y continúa: "Los Núcleos varían en tamaño y complejidad y están ubicados en todos los estados del país. En la actualidad existen 180 Núcleos que atienden 350.000 niños, niñas, adolescentes y jóvenes, y forman una compleja y sistemática red de orquestas y coros juveniles e infantiles"."Los niños en edad preescolar comienzan estudiando ritmo y expresión corporal. (...) A los 5 años de edad los niños seleccionan sus instrumentos, comenzando con percusión y flauta dulce. También se unen a un coro con el fin de crear sentido comunitario a través del trabajo grupal. A los 7 años todos los alumnos pueden escoger su primer instrumento de cuerda o de viento. Los niños pueden cambiar de instrumento, pero no son alentados a hacerlo sin contar con un buen motivo".
Dudamel nació en 1981 en Barquisimeto, donde estudió violín en el conservatorio Jacinto Lara con José Luis Jiménez y, más tarde, con el maestro José Francisco del Castillo en la Academia Latinoamericana de Violín. Siendo muy joven, a los quince años, inició sus estudios de dirección de orquesta con el Maestro Rodolfo Saglimbeni y ese mismo año fue nombrado director musical de la Orquesta de Cámara Amadeus.
A los 19 asumió como Director Musical de la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar y continuó sus estudios de dirección con el Maestro José Antonio Abreu, fundador de la Orquesta.
Se barió camino. Ganó numerosos premios. Llevó la música de Venezuela por el mundo. En 2009 Dudamel fue nombrado una de las 100 personas más influyentes del año por la revista Time.
Una de las características del Sistema es que los estudiantes toquen frente al público tanto y tan pronto como es posible. "Esto disminuye la presión de las presentaciones formales y permite que forme parte natural de sus vidas como músicos" .
"Desde una temprana edad, los estudiantes están en contacto con las distintas orquestas de El Sistema, desde las más pequeñas hasta la internacionalmente famosa Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar". El espíritu es que la música resulte algo cercano, accesible.
Al estar en funcionamiento hace tantos años, ya exiten profesores formados en el Sistema. "La mayoría de los educadores de El Sistema y líderes de los Núcleos fueron alumnos del programa".
Existe un plan de estudios nacional pero el programa puede ser adaptado a cada comunidad.
La formación incluye autores clásicos como representantes de la música tradicional y académica venezolana.
Existe un plan de estudios nacional pero el programa puede ser adaptado a cada comunidad.
En 2005, el cineasta venezolano Alberto Arvelo, quien en su infancia recibió educación musical dentro de El Sistema en el estado Mérida, realizó el documental "Tocar y Luchar" sobre el Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela.
Memoria colectiva
...." el pueblo recoge todas las botellas que se tiran al agua con mensajes de naufragio.
El pueblo es una gran memoria colectiva que recuerda
todo lo que parece muerto en el olvido.
Hay que buscar esas botellas y refrescar esa memoria."
(Fragmento de "Megafón o la guerra", Leopoldo Marechal:)
Rogelio Yrurtia, escultor
Buenos Aires, como toda ciudad, conserva cicatrices, baldosas con los nombres de quienes murieron en las luchas políticas, paredones con insignias partidarias, restos de medianeras de algún edificio demolido.
También guarda vestigios del pasado, de sus prohombres, de sus artistas.
En el Bajo, donde se cruzan avenida Colón e Independencia, en el barrio porteño de San Telmo, se alza, tras rejas que se impusieron en todas las plazoletas de la ciudad, el Canto al trabajo del escultor argentino, Rogelio Yrurtia (1879-1950).
¿Imaginaría el escultor a los 19 años cuando ingresó a la Escuela de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes que sería capaz de concebir una obra tan expresiva como bella?
Sus comienzos
Su primer maestro fue el escultor Lucio Correa Morales, con cuya hija se casó.
Como muchos argentinos de aquellos años, consiguió una beca y se radicó Italia y en París. Estudió en la Academia Jullien, luego aprendió dibujo en la Academia Colarossi.
Su mentor fue el escultor Jules Félix Coutan.
Dicen que era un trabajador incansable.
Expuso un torso en el Salón de la Societé Nationale des Artists Francaises, que según cuentan, fue admirado por Auguste Rodin.
En 1907 obtuvo, por concurso, el encargo para la realización del Monumento al Coronel Borrego.
La Municipalidad de Buenos Aires le encargó, ese mismo año, el Canto al Trabajo que fue inaugurado en 1926. Yrurtia tenía tan sólo veintiocho años.
Se trata de un grupo escultórico fundido en bronce, formado por 14 figuras cuyo tamaño es dos veces y medio el tamaño del ser humano promedio.
Otras esculturas de Yrurtia: el Mausoleo de Bernardino Rivadavia (1916-1932), emplazado en la plaza de Miserere, realizada entre 1916 y 1936.
La Justicia, encargada por su amigo, Carlos Delcasse, para su bóveda en el cementerio de Vicente López, que luego fue reproducida en bronce, emplazada en la entrada del Palacio de Tribunales.
En 1904 ejecutó el monumento al doctor Alejandro Castro para el Hospital de Clínicas.
El Museo Casa de Yrurtia de la calle O´Higgins, en el barrio de Belgrano, alberga el resto de su obra.
Claire Keegan, escritora irlandesa
Hace poco leí Antártida de Claire Keegan, una de las escritoras más destacadas de la narrativa irlandesa actual. Nació en 1968 en County Wicklow, Irlanda.
Su prosa me resultó fresca, profunda, simple. Tanto me gustó que conseguí su segundo volumen de cuentos, Recorre los campos azules, que publicó en castellano Eterna Cadencia.
Su sentido del humor, el ambiente rural en el que transcurren sus historias, el trazo preciso con que dibuja sus personajes, me recordaron el estilo de la canadiense Alice Munro, en particular el que maneja en su libro El progreso del amor.
No soy amiga de la crítica literaria. Por eso para esta entrada elegí una entrevista que a Claire Keegan de Gerardo Gambolini publicada en Perfil en marzo de 2009, que transcribo parcialmente y puede consultar completa aquí.
"—¿Cuándo y cómo comenzó a escribir?
—Empecé en 1994. Cuando terminé mis estudios en Estados Unidos, volví a Irlanda, al país con mayor tasa de desempleo de Europa. Escribí a 300 lugares y recibí 300 cartas de rechazo. Yo estaba viviendo con mi madre, en un pueblito de County Carlow. Una tarde, mientra ella miraba televisión, escuché desde mi cuarto sobre un concurso de cuentos que estaba anunciando, con un premio de mil libras. Como tenía una máquina de escribir que acababa de comprarme para tipear las cartas, decidí enviar un cuento. En ese sentido, podría decir que empecé a escribir por dinero".
¿Diría que la elección del cuento como género se debió a un concurso?
—Bueno, yo creo que el cuento me eligió a mí. Me parece que el cuento no tiene muchos escritores, y está buscando escritores. (...)
¿A qué escritores admiraba en aquel momento?
- William Trevor, Raymond Carver, Flannery O’Connor, Alice Munro, Alister MacLeod, Joyce...
—¿Tiene algún método o algún enfoque sistemático para escribir?
—No creo tener un enfoque sistemático. Creo que mi enfoque es cualquier cosa menos sistemático. Si quiero escribir una historia, necesito juntar ánimo para entrar en algo de lo que no sé absolutamente nada. Y después, explorar hasta encontrar algo que me permita arrancar. Es como cualquier otra tarea, lo más difícil es empezar... si uno se esfuerza en esa etapa, si explora y busca y sigue trabajando, dará con algo, descubrirá algo que le parece bien. Uno no sabe por qué le parece bien, y no debe cuestionarlo, sólo debe continuar con eso. En ese punto no se puede detener. Y entonces la tarea comienza a ganar intensidad y a transformarse en verdadero trabajo. Uno se siente atraído por algo, y sabe que allí hay algo, aunque no pueda explicar esa sensación: uno sabe que está ahí, sencillamente. Cuando yo era niña, había un hombre, el señor Hanley, que podía hallar agua. Iba con sus varillas de acero, y cuando pasaba sobre alguna corriente subterránea, las varillas simplemente se cruzaban en sus manos. Eso es lo que uno hace. Al principio, uno está todo el tiempo, la mayor parte del tiempo, recorriendo tierra en la que no se ve agua, y de pronto, en algún punto, si uno sigue caminando, las varillas se cruzan, y uno halla una historia.
(...)
- ¿Concordaría con aquello de que el arte de escribir reside en quitar cosas?
—Sí, sin duda. Philip Larkin dice: “¿Por qué la gente asocia agregar con aumentar? Para mí, agregar es diluir”. Eso es algo que me quedó muy grabado. Con frecuencia, cuando tengo el trabajo a medio terminar, me paso tiempo sacando muchas cosas que ya están listas, casi hasta el punto de deshacerlo.
Su prosa me resultó fresca, profunda, simple. Tanto me gustó que conseguí su segundo volumen de cuentos, Recorre los campos azules, que publicó en castellano Eterna Cadencia.
Su sentido del humor, el ambiente rural en el que transcurren sus historias, el trazo preciso con que dibuja sus personajes, me recordaron el estilo de la canadiense Alice Munro, en particular el que maneja en su libro El progreso del amor.
"—¿Cuándo y cómo comenzó a escribir?
—Empecé en 1994. Cuando terminé mis estudios en Estados Unidos, volví a Irlanda, al país con mayor tasa de desempleo de Europa. Escribí a 300 lugares y recibí 300 cartas de rechazo. Yo estaba viviendo con mi madre, en un pueblito de County Carlow. Una tarde, mientra ella miraba televisión, escuché desde mi cuarto sobre un concurso de cuentos que estaba anunciando, con un premio de mil libras. Como tenía una máquina de escribir que acababa de comprarme para tipear las cartas, decidí enviar un cuento. En ese sentido, podría decir que empecé a escribir por dinero".
¿Diría que la elección del cuento como género se debió a un concurso?
—Bueno, yo creo que el cuento me eligió a mí. Me parece que el cuento no tiene muchos escritores, y está buscando escritores. (...)
¿A qué escritores admiraba en aquel momento?
- William Trevor, Raymond Carver, Flannery O’Connor, Alice Munro, Alister MacLeod, Joyce...
—¿Tiene algún método o algún enfoque sistemático para escribir?
—No creo tener un enfoque sistemático. Creo que mi enfoque es cualquier cosa menos sistemático. Si quiero escribir una historia, necesito juntar ánimo para entrar en algo de lo que no sé absolutamente nada. Y después, explorar hasta encontrar algo que me permita arrancar. Es como cualquier otra tarea, lo más difícil es empezar... si uno se esfuerza en esa etapa, si explora y busca y sigue trabajando, dará con algo, descubrirá algo que le parece bien. Uno no sabe por qué le parece bien, y no debe cuestionarlo, sólo debe continuar con eso. En ese punto no se puede detener. Y entonces la tarea comienza a ganar intensidad y a transformarse en verdadero trabajo. Uno se siente atraído por algo, y sabe que allí hay algo, aunque no pueda explicar esa sensación: uno sabe que está ahí, sencillamente. Cuando yo era niña, había un hombre, el señor Hanley, que podía hallar agua. Iba con sus varillas de acero, y cuando pasaba sobre alguna corriente subterránea, las varillas simplemente se cruzaban en sus manos. Eso es lo que uno hace. Al principio, uno está todo el tiempo, la mayor parte del tiempo, recorriendo tierra en la que no se ve agua, y de pronto, en algún punto, si uno sigue caminando, las varillas se cruzan, y uno halla una historia.
(...)
- ¿Concordaría con aquello de que el arte de escribir reside en quitar cosas?
—Sí, sin duda. Philip Larkin dice: “¿Por qué la gente asocia agregar con aumentar? Para mí, agregar es diluir”. Eso es algo que me quedó muy grabado. Con frecuencia, cuando tengo el trabajo a medio terminar, me paso tiempo sacando muchas cosas que ya están listas, casi hasta el punto de deshacerlo.
Daniel Barenboim en el Obelisco, Buenos Aires
Concierto por la paz - Daniel Barenboim - Orquesta palestino-israelí. Obelisco, ciudad de Buenos Aires, Argentina. Sábado 21 de agosto, 2010.
El sábado 21 de agosto Daniel Barenboim se presentó en Buenos Aires con la Orquesta West-Eastern Divan.
Cincuenta mil personas se acercaron al Obelisco de la ciudad de Buenos Aires donde estaba montado el escenario para disfrutar del concierto integrado por dos piezas de Beethoven: la obertura Leonore III, y la Quinta sinfonía.
La West-Eastern Divan Orchestra (en español Orquesta del Diván de Oriente y Occidente, nombre inspirado en un libro de poemas de Goethe) fue creada por el músico Daniel Barenboim y el filósofo Edward Said en 1999 “para reunir, con espíritu de concordia, a jóvenes talentos musicales palestinos, árabes e israelíes, así como un foro para el diálogo y la reflexión sobre el problema palestino-israelí”.
“En 2004 se creó la Fundación Barenboim-Said, con sede en Sevilla y financiada por la Junta de Andalucía, con el propósito de desarrollar diversos proyectos educativos a través de la música basados en los principios de convivencia y diálogo promulgados por Said y Barenboim. Así, la Fundación Barenboim-Said no sólo gestiona la Orquesta West-Eastern Divan, sino otros proyectos como la Academia de estudios Orquestales en Sevilla, el Proyecto de Educación Musical en Oriente Medio y el Proyecto de Educación Musical Infantil en Sevilla”. (Fuente: wikipedia).
Cincuenta mil personas escucharon en Buenos Aires durante una hora los acordes de este diálogo. Otros miles lo siguieron desde sus casas por alguno de los tres canales de televisión que trasmitieron en directo.
Cualquier posible rédito político de los organizadores quedará en el olvido. Como la incomodidad ó la efímera discusión para obtener una mejor ubicación cerca del escenario o de las pantallas gigantes desde donde se podía ver a los músicos. En la memoria, el espíritu con el que Barenboim y Said idearon la propuesta. En la memoria, la música, al alcance de quien quisiera.
Chango Spasiuk - El Camino
Chango Spasiuk en Encuentro en el Estudio
Canal Encuentro
Ministerio de Educacion de la Republica Argentina
Marcos Villalva - Percusión
Heelen de Jong - Cello
Victor Renaudeau - Violín
Sebastián Villalva - Guitarra
Por un mundo sin barreras
"Playing For Change es un movimiento multimedia creado para inspirar, conectar y promover la paz en el mundo. La idea del proyecto surge de la convicción de que la música desarma las fronteras y nos ayuda a superar nuestras diferencias. No importa cuales sean nuestros orígenes geográficos, políticos, económicos, espirituales o ideológicos, la música tiene el poder universal de trascenderlos y de unirnos como habitantes de un mismo planeta".
El sitio oficial dice que el movimiento "elaboró un estudio de grabación móvil, con el material utilizado en los mejores estudios, para viajar a través del mundo, donde la música nos llevaba. "Con la evolución de las tecnologías, nuestras necesidades en energía ha ido disminuyendo poco a poco: pasamos de utilizar baterías de coches de golf a baterías de coche para finalmente usar laptops como fuente de energía. De la misma manera, los formatos de video que hemos utilizado para filmar han ido evolucionando también: hoy en día estamos grabando en formato HD (Alta Definición)"
Compromiso
"Sin embargo algo que no ha cambiado a lo largo de este proceso es nuestro compromiso de instaurar las condiciones ideales para que los músicos estén inspirados y puedan crear libremente, en un entorno sin barreras entre los músicos y su público potencial. Esta energía y manera de proceder nos permitieron acceder a músicos y a lugares habitualmente inaccesibles. Así, la inspiración que era inicialmente lo que nos había llevado a este rumbo, se convirtió en un elemento decisivo de la creación y del desarrollo del proyecto", destacan en la página.
La Fundación
"A lo largo de la evolución del proyecto, decidimos que no era suficiente solamente grabar músicos y compartir esta música con el mundo: queríamos encontrar la manera de agradecer a estos músicos y a sus comunidades por todo lo que habían compartido con nosotros. En el 2007 creamos la Fundación Playing For Change, una entidad separada y sin ánimo de lucro, destinada a ayudar a las comunidades que conocimos a lo largo de nuestros viajes".
"A principios del 2008, creamos la empresa Timeless Media, fundamento del trabajo y del desarrollo de Playing For Change. Poco después, Timeless Media se asoció con Concord Music Group a través del apoyo de Norman Lear (copropietario del sello y leyenda de la industria del espectáculo) y de Jon Burk, vicepresidente del departamento A&R de Concord. Nuestro objetivo es dar a conocer la música, los videos y el mensaje de Playing For Change al máximo de gente posible. Hoy en día, estamos reuniendo músicos de distintos lugares del mundo para dar conciertos solidarios destinados a la construcción de escuelas de música y de arte en comunidades que precisan inspiración y esperanza".
Conciertos
Además de los conciertos solidarios, el Playing For Change Band ofrece conciertos a través del mundo.
La banda
El propósito del Playing For Change Band es el siguiente: el encuentro de músicos procedentes de distintas culturas, uniéndose por la paz a través de la música. En los cuatro últimos años, el equipo de Playing For Change viajó a través del mundo, creando una familia de más de 100 músicos, entre los cuales se encuentran músicos callejeros, profesionales o consagrados. Los hemos conectado a todos ellos a través de canciones alrededor del mundo (Songs Around The World) como Stand by me.
Los miembros del PFC Band son en este momento: Clarence Bekker (voz), Grandpa Elliott (voz, armónica), Tal Ben Ari "Tula" (voz), Mermans Kenkosenki (voz, congas), Titi Tsira (voz), Jason Tamba (voz, guitarra acústica), Pierre Minetti (voz, guitarra acústica), Bhekani Memela & Sinamuva (coro voz), Reggie McBride (bajo eléctrico, coros), Hugo Soares (voz, guitarra acústica), Rajhesh Vaidhya (veena), Louis Mhlanga (guitarra eléctrica), Roberto Luti (steel slide guitar), Stefano Tomaselli (saxo alto), Steve Molitz (teclado), Peter Bunetta (batería), Francois Viguié (percusión), Mohammed Alidu (talking drum, djembe) y Venkat (percusión).
Ophélie Gaillard interpreta Fandango de Boccherini
Fandango 5/5 Video por Ophélie Gaillard - Video de MySpace
Luigi Rodolfo Boccherini - Chelista y un compositor italiano, perteneciente al Estilo galante y pionero del periodo clásico en la música. Nació el 19 de febrero de 1743 en Lucca, en la Toscana, en el seno de una familia de artistas. Su padre fue contrabajista y chelista; su hermano Giovanni Gastone, poeta; y su hermana bailarina de ballet.
Boccherini dio un impulso importante a la música de cámara. Entre otras obras, escribió 125 quintetos de cuerda; noventa cuartetas de cuerda, 48 tríos, 21 sonatas para violoncelo y bajo continuo, 28 sinfonías, 11 conciertos para chelo y orquesta, (el Op.34 en si bemol mayor es el más conocido e interpretado) y la Zarzuela "La Clementina".
Su Quinteto para cuerda en do mayor, Op. 30, musica notturna della strade di Madrid, es parte de la banda sonora de la película 'Master and Commander.
Work in progress - Camille Claudel - Escultora
Escultora francesa (Fère-en-Tardenois, Aisne; 8 de diciembre de 1864 - Montdevergues, 19 de octubre de 1943). Además de ser hermana del poeta, dramaturgo y diplomático francés Paul Claudel y discípula y amante del escultor Auguste Rodin, Camille fue una artista de gran envergadura.